Type de publication: Collectif

Directrices d'ouvrage: Cléren (Marie), Mounier-Vehier (Caroline), Soudy-Quazuguel (Laura), Torrent (Céline)

Résumé: L’ouvrage Formes, emplois et évolutions du livret de ballet de la Renaissance à nos jours analyse le livret de ballet selon une perspective diachronique afin de déterminer les étapes de sa métamorphose. À dessein éclectique, il s’adresse autant aux spécialistes qu’aux amoureux de la danse et des mots.

Nombre de pages: 268

Parution: 17/11/2021

Collection: Rencontres, n° 521

Si l'intercorporéité nous sollicite aujourd'hui, c'est parce que, au lieu d'envisager, comme on le fait trop souvent, le corps des anatomistes le res extensa de Descartes, il est question d'observer ce qui se passe (ce qui se trame) entre les corps - de sorte que le corps n'étant plus un objet circonscrit, mais une chose évanescente, une "chair" invisible, une chair spacieuse (B.Noël) qui interfère avec les autres corps, c'est l'organisme holistique des corps qui nous retiendra.

Une histoire de la danse à Lyon et en France des 40 dernières années à travers le récit des diverses vies de Guy Darmet, directeur pendant 30 ans de la Maison de la Danse et initiateur de la première Biennale Internationale de danse.

Ouvrage de référence rassemblant l'intégralité des transcriptions des News Animations de Simone Forti, une série de performances aux itérations infinies initiée au milieu des années 1980, traduisant le langage et les images des articles de journal et des journaux télévisés en compositions de mouvements improvisés, comme tentative de comprendre l'actualité (et ses représentations médiatiques) par le biais du geste dansé.

Pendant plus de trente ans, Laurence Louppe a ouvert la route à de nombreux danseurs et chorégraphes. Son apport théorique à la Culture chorégraphique est énorme, tout autant que l'apport sensible qu'elle a diffusé au monde chorégraphique et artistique. Cet ouvrage propose, en deux volumes, la transcription de cours donnés au Cefedem Sud d'Aubagne dans le cadre de la formation de formateurs en Culture chorégraphique. Ce premier volume retranscrit les cours consacrés à la problématisation des outils en histoire de la danse : image, document et reproduction.

Le slow apparaît à Chicago à la fin des années 1950 sur le plateau d'une émission de télévision. Avec le twist, il est l'un des marqueurs festifs de l'époque Yéyé. Des surprises-parties aux boums, sa gestuaire incontournable rythme l'éveil sensuel et sexuel des boomers. Il devient l'emblème d'une jeunesse allègre, consciente de son existence en tant que groupe influent. Mais, au tournant du siècle, le désamour l'étreint. Sans justification autre que l'établissement d'une relation sensuelle, cette non-danse est devenue une étrangeté dans une époque où l'impératif pragmatique domine.

L’ouvrage interroge les modes de fabrication des discours dans le milieu de la danse contemporaine en France

Créée en 1990, la pièce de Pina Bausch Palermo Palermo conserve toute sa singularité, tant par les conditions de sa production que par le contexte de sa création. Entre 1985 et 1990, en effet, Palerme est mobilisée par un grand mouvement citoyen contre la mafia et la ville traverse une période définie comme le « Printemps palermitain ». Or Palermo Palermo est la seule pièce de Pina Bausch qui revendique de manière frontale, jusque dans son titre, le dialogue avec un territoire donné.

Cette enquête repose sur l’étude du phénomène d’empathie kinesthésique en danse-théâtre, pour en révéler les enjeux éthiques. La contagion émotionnelle, kinesthésique et gravitaire, à l’œuvre en danse, entre les performeurs en scène et les spectateurs, est décrite au prisme de la phénoménologie de l’intentionnalité et des concepts merleau-pontiens de « chair » et d’entrelacs synesthésique. Le premier temps de cet essai explore la nature proprioceptive et charnelle du ressenti du spectateur pour ce qui meut l’interprète sur scène.

Il n’existe ni regard idéal ni méthode pour analyser les œuvres en danse. Telle est la conviction portée par ce livre qui place l’inventivité du spectateur au cœur de l’analyse. Chacun y est invité à aiguiser son regard, à devenir plus autonome, en développant une relation personnelle aux œuvres. Isabelle Ginot et Philippe Guisgand exposent les enjeux de l’« analyse d’œuvres » en danse. En l’inscrivant au sein d’un champ plus vaste de pensée critique, ils dressent un état des lieux des modèles qui sous-tendent les pratiques existantes.

La danse, un art « féminin » ? Tant s’en faut. À l’étude, ce champ de l’art apparaît encore largement dominé par les hommes. Dans cet univers, cependant, quelques exceptions mettent à mal ces usages et ces pratiques d’assujettissement.

En s’inscrivant dans une perspective interdisciplinaire, tant en termes de méthodes adoptées (Études chorégraphiques, théâtrales, visuelles, Histoire, Esthétique, Études de genre), de formats (panoramas historiques, analyses d’œuvres, entretiens), qu’en termes de perspectives théoriques (notamment les gender, queer et post-colonial studies), cet ouvrage collectif s’attache à réfléchir à la capacité politique de la danse, autrement dit à sa puissance d’agir sur le corps politique et social.