Sous la direction de Betty Lefevre, Pascal Roland et Magali Sizorn

Qui a inventé le ballet-pantomime ? Qui a le droit d’en dicter les règles ? Entre 1774 et 1776, une polémique éclate à Milan entre deux maîtres de ballets, l’Italien Gasparo Angiolini et le Français Jean-Georges Noverre. Alors que les deux « docteurs en cabrioles » se disputent avant tout un titre de « réformateur de la danse théâtrale » qui suscite l’hilarité, une polémique enflamme rapidement l’intelligentsia milanaise, divisée entre les deux partis.

Peut-on penser une histoire européenne de la danse ? Quel rôle la danse a-t-elle joué dans la construction des identités nationales en Europe ? Comment a-t-on représenté la figure de l’étranger ? Par quels indices peut-on identifier les figures de l’altérité ? Quelle a été  l’influence des discours sur les corps des danseurs européens ? En dépassant les frontières réelles et symboliques, disciplinaires et géographiques, cet ouvrage met en lumière, de façon inédite, l’identité fragmentaire de l’Europe en interrogeant la richesse de ses pratiques chorégraphiques entre 1687 et 1914.

« Des correspondances. Des étreintes. » Ce sont les mots employés par Patrice Chéreau, invité du Louvre en 2010, pour évoquer la relation entre musée et spectacle vivant, entre l’œuvre d’art et le corps en mouvement. Le Musée par la scène nous éclaire sur les apports du spectacle vivant dans la pratique muséographique et sur l’intérêt dramaturgique ou performatif de telles expériences.

Depuis la fin du XXe siècle, les arts de la scène ont multiplié les expériences de partage que ce soit par la participation, l’immersion, l’interaction, ou des spectacles aux messages troubles qui se dérobent à une narration linéaire et close, à la figuration et à l’identité. Induisant des mouvements de sens en commun, quoique non communs, ces spectacles contemporains rejoignent à maints égards l’aspiration du philosophe Jean-Luc Nancy à promouvoir « l’être-ensemble ». Ce concept-clé de Nancy renvoie à la nécessité de repenser le commun.

La question des liens entre danse et poésie renvoie à l'une des gémellités artistiques les plus singulières du siècle passé. Si les poètes de la modernité - tels Mallarmé, Valéry ou Rilke - ont érigé la figure de la danseuse en objet de culte poétologique, les danseurs modernes n'ont que très rarement donné suite à cet enthousiasme. De même, la plume des poètes semble avoir de nos jours déserté le champ thématique de la danse. Le présent ouvrage appelle ainsi à la réouverture du dialogue danse/poésie.

Comment réaliser des œuvres nouvelles, ou des œuvres rejouées, avec des œuvres anciennes connues uniquement par des archives ? Comment le « replay » fait de la nouveauté et non de la simple répétition ou reprise.

Apparues aux États-Unis, ouvertes à toutes les influences, les danses jazz portent depuis toujours les traits de la mixité : de Joséphine Baker à Matt Mattox en passant par les étonnantes performances rythmiques et acrobatiques des Nicholas Brothers, l’élégance décontractée d’un Fred Astaire, la technique sophistiquée d’un Jack Cole ou l’expressivité d’un Alvin Ailey, elles se sont imposées dans le champ artistique du xxe siècle.

La figure de l’« amateur » est multiple, voire contradictoire. Elle intensifie et trouble les notions de travail, de création et de transmission, d’expertise et d’expérience. Elle déplace et transforme les normes et les catégories esthétiques, éthiques, politiques, qui sont à l’œuvre dans le spectacle et dans la pratique de la danse contemporaine.

Aux alentours de 1830, le romantisme s’impose sur les scènes théâtrales, en France et dans toute l’Europe. Le ballet participe avec force à cette révolution esthétique, son succès s’accompagnant d’une médiatisation inédite. S’il fait naître un imaginaire nouveau, il peine toutefois à se dire pour lui-même et, dans cette bataille poétique, c’est la danseuse, à défaut de la danse, qui devient l’objet principal des représentations. De l’air ou de la terre, du Nord ou du Sud, la ballerine cristallise le dualisme de l’imaginaire romantique.

Le premier volume des Danses d’après d’Isabelle Launay portait sur la vitalité des traditions et la reprise des répertoires chorégraphiques. Dans ce second volume, elle met l’accent sur les effets de la rupture, voire de l’oubli, dans la transmission des œuvres modernes. Qu’arrive-t-il quand la discontinuité est programmée par un désir de table rase chez certains artistes chorégraphiques ?

Starting from differences between reenactment and the more established practice of historical reconstruction, leading practitioners and theorists ask how the notion of preservation and representation associated with reconstruction is transformed by reenactment into historical experience and affective relation to the past in the present.