Comment faire vivre et renouveler un art de répertoire dit « classique » et souvent renvoyé, à ce titre, au passé ? Qui sont les chorégraphes qui créent des ballets aujourd’hui et comment se positionnent-ils sur une scène artistique valorisant avant tout la création contemporaine ? Pourquoi les femmes chorégraphes sont-elles si rares dans un domaine pourtant essentialisé comme féminin ?

Quel voyage propose l’expérience flamenco ? Quel serait ce corps flamenco à incarner ? Cheminant sur le fil des discours voulant faire « centre », « norme » dans le flamenco, la chercheuse ébrèche certaines vérités établies. L’étude jongle entre analyses esthétiques fines du corps-performeur et mise en lumière de soubassements socio-économiques exportés depuis l’Espagne, vecteurs de clichés, qui conditionnent la pensée d’un « flamenco carte postale ».

La danse se raconte souvent ainsi : du ballet de cour est né le ballet blanc, puis la danse moderne a libéré les corps. Et si d’autres récits étaient proposés, décentrés de l’Occident et de la scène ? Et si l’on interrogeait les narrations fléchées et les hiérarchies établies, pour une histoire décentrée de la danse ? 

La danse se raconte souvent ainsi : du ballet de cour est né le ballet blanc, puis la danse moderne a libéré les corps. Et si d’autres récits étaient proposés, décentrés de l’Occident et de la scène ? Et si l’on interrogeait les narrations fléchées et les hiérarchies établies, pour une histoire décentrée de la danse ? 

Préface : Mathilde Monnier. Postface : Simon Delétang. 
Contributions : Rémi Baert, Jonathan Châtel, Alix de Morant, Sylvain Diaz, Laura Fanouillet, Enzo Giacomazzi, Cathy Grouet, Célia Jésupret, Pierre Lesquelen, Axelle Locatelli, Christine Roquet, Kahena Sanaâ, Carolane Sanchez, Lucas Serol, Guillaume Sintès, Umut Ungan, Marie Urban.
La marche va-t-elle de soi ?
La question peut paraître incongrue. Pourtant, la marche ne revêt aucune évidence : elle est, à chaque instant, lutte contre la gravité qui nous entraîne vers le sol. Elle est d’autant moins évidente qu’elle est, par-delà sa physique, métaphorique, signalant le repli sur soi, le vagabondage, l’errance ou, au contraire, l’ouverture aux autres. Comment, dès lors, représenter la marche ? Si elle vaut pour tous les arts, cette question prend un sens particulier dans les arts vivants du fait de l’effectivité même de la marche. Elle est le mouvement zéro des corps qui se déplacent au plateau.
À partir de ressources empruntées à l’anthropologie, à l’his­toire, à la philosophie ou à la sociologie, il nous a semblé nécessaire de penser les pratiques de la marche des artistes d’aujourd’hui, chez qui la démarche confine souvent à la déroute. Dans les œuvres étudiées, la marche échappe à toute destination comme à toute signification pour mobiliser non seulement les interprètes mais aussi les spectateurs mus par ce qui se joue non pas face à eux, mais avec eux.
Conçus lors de la dernière crise sanitaire, les chapitres de cet ouvrage ont été écrits à un moment où la marche n’allait plus de soi. Sinon impossible, elle était restreinte et contrainte par les pouvoirs publics. Aussi avons-nous pensé ce livre comme une invitation au voyage à travers les représentations de la marche dans les arts vivants contemporains. 

Les racines de la danse scénique occidentale plongent dans un terreau en partie vocal. Dans l'orchestra antique ou sur les tréteaux médiévaux : chanter, déclamer, danser étaient associés. De fait, la vocalité émerge depuis les viscères jusqu'aux lèvres par un jeu moteur, respiratoire et vibratoire comparable à une danse profonde. Pourtant, la chorégraphie s'est aussi développée à l'écart, voire à l'encontre de l'usage de la voix.

Cet ouvrage dresse un état des lieux de la recherche touchant la transmission et l’enseignement de la danse dans divers contextes, grâce aux apports méthodologiques et résultats de neuf chercheuses majeures, françaises et québécoises.

Plus de quarante ans de carrière ininterrompue, des centaines de représentations, un parcours mondial : May B de Maguy Marin postule au grade de classique de la danse du xx^e siècle. Pourtant, l’œuvre et son auteur ne font toujours pas – et ne le veulent surtout pas – consensus. Depuis 1981, qu’on la découvre ou la connaisse déjà, May B reste un choc.

Carolyn Carlson admet volontiers que Blue Lady et plus largement son art du solo constituent une part importante de son identité. Et, de fait, en 1983, ce grand solo autobiographique, miroir de la chorégraphe, alors figure incontournable de la danse contemporaine en ces années 1980, fit l’événement et eut une influence considérable. 

L’ouvrage retrace la vie et l’art de Filippo Taglioni (1777-1871), danseur, chorégraphe et pédagogue de renommée internationale qui a contribué à la diffusion du ballet romantique en Europe. Connu principalement pour La Sylphide (1832) et comme « père de » Marie Taglioni – l’étoile de la danse du XIXe siècle par excellence – il a eu en réalité une carrière longue et intense, au cours de laquelle il a exploré de multiples registres d’expression. Au-delà du mythe de sa fille, mais aussi avec celui-ci, nous nous sommes demandé qui était vraiment Filippo Taglioni. Ce volume rassemble donc pour la première fois les expériences de l’un des grands protagonistes de la période romantique, à la lumière de sources inédites de l’époque.

Préface de José Sasportes. 

Contributions de Matilda Ann Butkas Ertz, Ornella Di Tondo, Olga Fedorchencko, Bénédicte Jarrasse, Gunhild Oberzaucher-Schüller, Joanna Sibilska, Madison U. Sowell, Hanna Walsdorf.

Textes en Anglais, Français, Italien

548 p.

« Durant l’une de nos soirées de jeux surgit entre autres la question de savoir comment nous pourrions nommer nos activités. Ce n’était pas une école, ce n’étaient pas des cours dans lesquels quelque chose était enseigné et appris. C’était décidément une danse communautaire, mais pas une danse artistique ou une danse de société au sens traditionnel. Les gens qui venaient à nous ne voulaient pas non plus devenir des danseurs professionnels. [...] Alors, surgie de quelque part, une voix dit : ‘‘En fait, nous sommes un chœur de mouvements.’’ »

Dans la polyphonie d’une île dresse la généalogie raciale et coloniale du séga mauricien. Comment ces chants, musiques et danses, nés dans des communautés de fugitif·ves pendant l’esclavage, sont-ils devenus des spectacles touristiques, aujourd’hui offerts au regard des Occidentaux ? Invitant à entrer dans le cercle agonistique d’un séga, Caroline Déodat sonde la construction des fictions coloniales qui ont constitué cette pratique comme objet de savoir et symptôme d’une humanité amoindrie.